Jaspau Architecture, comparativa de arquitectura "Spain-Australia" a través de Japón
Extracto
¿Hay alguna relación entre la arquitectura catalana y arquitectura australiana? Un rápido vistazo revelaría fácilmente las influencias de la Arquitectura Moderna en arquitectos como Harry Seidler en una parte del mundo y el grupo GATPAC aunque esta sería una respuesta razonable, la arquitectura Moderna pertenece a una etapa del siglo XX y, por lo tanto, no daría respuesta al resto de la historia. Un análisis en más profundidad sobre las similitudes entre la arquitectura Australiana y la Catalana revela una anterior atracción compartida por la cultura y las artes Japonesas - a Europa, un fenómeno llamado Japonismo - que pertenece al período del siglo XIX.
Este artículo, JASPAU Architecture, de las siglas Japan-Spain-Australia, utilizará este tercer actor como piedra filosofal para entender y desentrañar las relaciones entre ambas arquitecturas desde el Art Nouveau, hasta la arquitectura Contemporánea en una historia que no tiene ningún actor principal reconocido, pero si muchos gestos arquitectónicos sutiles.
Contexto Histórico - Japón desde dentro
El Período Edo fue una época de paz administrada por un gobierno militar conservador. Gracias a la expansión comercial de Japón, una nueva clase social de nuevos ricos formada por comerciantes y artesanos, conocidos como “chonin”, se encontraron con la paradoja de ser económicamente poderosos, pero socialmente confinados. Por estos motivos se focalizaron en el consumo y persecución del placer en estos distritos aislados.
Esta cultura hedonista transformó el significado del termo budista “ukiyo” de una vida transitoria de la naturaleza, en una vida que flota, una “joie de vivre”. Este tipo de vida se plasmó a través de la producción artesanal de bloques de madera con imágenes que mostraban partes de esta vida seductora. Estas maderas fueron un punto de inflexión en el arte japonés centrado en la reproducción de la naturaleza. Estas tablas conocidas como ukiyo-e, donde el nuevo arte se centraba en actores famosos con cortesanos y cortesanas se hicieron muy populares en la época especialmente con la introducción de nueva tecnología para el color el 1765. El último cuarto del siglo XVIII fue la era dorada de la imprenta hasta que la popularidad de estas reproducciones empezó a disminuir.
Durante el principio del sXIX, Utagawa Hirosgige (1797–1858) y Katsushika Hokusai (1760–1849) llevaron el arte del ukiyo-e de vuelta hacia la representación del paisaje natural, a menudo con temas relacionados con las cuatro estaciones, consideradas piezas maestras internacionales.
Después de que los puertos japoneses reabrieran el comercio con occidente el 1853, una ola de importaciones inundó los puertos europeos. A la cresta de esta ola la escuela de los ukiyo-e transformó el arte del Impresionismo y el Post-Impresionismo demostrando que les cosas simples i transitorias y los objetos del día a día de este “mundo flotante” podrían convertirse en formas apreciadas de decoración.
LUkiyo-e fue central en la percepción occidental del arte japonés a finales de s.XIX. Desde 1870’s, el Japonismo se convirtió en una moda que tuvo influencias tanto en los primeros Impresionistas como Degas, Manet y Monet, como en Post-Impresionistas como van Gogh y artistas del Arte Nouveau como Toulouse- Lautrec.
El are japonés atrajo la atención en la exposición Internacional de 1867 en París, y se convirtió en una tendencia en Francia e Inglaterra de 1870s y los 1880’s. En esta época, la imprenta en piezas de madera era el más común medio en masa y los japoneses consideraban l’Ukiyo-e unas piezas de arte de un valor poco duradero.
Influencias en Cataluña, Modernismo
Se pueden observar influencies reproducción y búsqueda de determinado estilo orientalista como es el caso de la casa de los Paraguas de Barcelona. Completamente remodelada por el arquitecto Josep Vilaseca y Casanovas (Barcelona, 1848 – 1910) los años anteriores a la Exposición Universal de 1888, entre 1883 y 1885 contiene una decoración orientalista que fue dictada por el mismo propietario ateniéndose no sólo a las nuevas corrientes orientalistas, sino al hecho que muchos de los objetos y accesorios que se vendían en la tienda eran importados de Japón.
Pero por otro lado las artes japonesas y su foco en la naturaleza afectaron también a una parte del modernismo catalán.
Encontramos algún ejemplo en las representaciones ornamentales de los vitrales que Buxeres y Codorniu hizo para la “Casa Lleó i Morera”, diseñada por el arquitecto Lluís Domènech i Montaner (Barcelona, 21 de diciembre de 1850– 27 de diciembre de 1923). Estos vitrales que representen un paisaje con animales, recuerda los diseños japoneses de Kacho-ga. En estas representaciones, la naturaleza se muestra simplificada y libre en una composición de crecimiento infinito, mostrando un nuevo concepto de la percepción del espacio.
Este tipo de representación se puede encontrar en muchos cristales gravados hechos a partir de los 1870’s. Este tipo de naturaleza gravada en vidrio se puede encontrar en muchas entradas de los edificios antiguos del Eixample de Barcelona. Son muestras de como la composición puede crecer sin límites más allá de las dimensiones de cada pieza de vidrie. Estos jardines artificiales muestran cañas de bambú, flores, insectos y todo tipo de plantas inspiradas en el repertorio japonés.
En la entrada de la “Casa Lleó i Morera” también podemos observar los motivos florales del quebradizo, así como motivos de estilo similar al japonés en les representaciones del techo.
Es necesario remarcar que las condiciones culturales durante este período podrían haber potenciado la influencia de las artes japonesas en el territorio catalán. En el período de más influencia, Catalunya se encontraba en un momento de reformulación del ideario común. El artículo de Domènech i Montaner “En busca de una arquitectura nacional” publicado el 1878 en La Renaixença, explica las formas en las cuales los arquitectos buscaban nuevas maneras de expresar el carácter catalán de la época.
Japonismo en Australia
Tokonama, también llamado simplemente toko, se trata de un espacio de descanso a menudo localizado en una especie de espacio de entrada en las casas tradicionales japonesas. Los objetos que se exhiben en un tokonama son piezas de arte, flores y/o piezas de caligrafía. Este espacio es un elemento esencial para el interior de la arquitectura japonesa ya que organiza el ritual de cómo se mueve la gente en el interior del espacio. Por ejemplo, los invitados no pueden situarse mirando el Tokonama.
Ciertos historiadores consideran que el arquitecto Frank Lloyd Wright, fuertemente influenciado por la arquitectura japonesa, utilizaba la chimenea con un significado parecido al del Tokonama en la arquitectura japonesa. No olvidemos que, las obras japonesas también llegaron a los Estados Unidos, donde, por ejemplo, se presentaron a la Colombian exhibition de 1893 que tuvo lugar en Chicago.
Las obras de algunos arquitectos australianos como Peter Muller, en Neville Gruzman e Ian Mckay (ver Audette House 1953) se muestran muy influenciadas por las idees de Frank Lloyd Wright sobre la expresión de los materiales y de la construcción, como de la fluidez del espacio y la flexibilidad.
Por otro lado, la atracción que generaba la cultura japonesa tuvo uno de los mayores picos cuando Bruno Taut viajó y trabajó en Japón el 1933. Entre los lugares que visitó, quedó muy conmocionado por la estética minimalista al estudiar la Katsura Imperial Vila. Estas ideas influenciaron más tarde las obras de Le Corbusier y Walter Gropius, dos figuras clave de la Arquitectura Moderna.
La Neutral Bay Sydney Ancher House de 1957 del arquitecto Sydney Edward Cambrian Ancher (25 February 1904 – 8 December 1979) es un claro ejemplo de como esta estética y composición del espacio de la Katsura Vila tuvo una gran influencia en la arquitectura australiana posterior.
Otro arquitecto australiano fuertemente influenciado por Japón és Richard Leplastrier. Habiendo trabajado para el profesor Masuda Tomoya en Japón y para Jørn Utzon (1964 - 66) sus diseños buscan potenciar la relación con el lugar a la vez que busca un sentido de realidad del momento presente.
La Angophora House es un ejemplo de esta simplicidad compositiva, continuidad del espacio, apertura en el exterior y simplicidad en el uso de materiales.
Japonizo en España
De la misma manera, después del Modernismo Catalán y muy influenciados por la arquitectura moderna, en España ha habido arquitectos muy marcados por el japonismo. Posiblemente el ejemplo más conocido es el de Miguel Fisac (Ciudad Real 1913 - Madrid 2006). Su edificio de la Pagoda, pese la diferencia de escala y contexto, recuerda en su claridad interpretativa de la arquitectura japonesa, la obra del arquitecto australiano Angelo Candalepas en el proyecto de la Messy House. Salvando las enormes diferencias de estilo entre ambos arquitectos, las dos obras son una interpretación del imaginario de arquitectura japonesa en periodos no tan alejados en el tiempo.
No deja de ser sorprendente ver hasta qué punto ha habido gente en los dos países, que pese la distancia, han estado buscando cosas similares y reproduciendo un imaginario japonés, a veces de manera directa, otras de manera más abstracta, pero con resultados tan diferentes y a la vez tan parecidos. Quizás merecería la pena escribir sobre este tema por su complejidad.
Podeu consultar la bibliografia de l'article aquí
Victor O.Alcami y Cristina Aranzubia, arquitectos. Corresponsales del COAC en Sidney, Australia
Jaspau Architecture, comparativa d'arquitectura "Spain-Australia" a través de Japó
Extracte
Hi ha alguna relació entre l’arquitectura Catalana i l’arquitectura Australiana? Un ràpid cop d’ull revelaria fàcilment les influències de l’Arquitectura Moderna en arquitectes com Harry Seidler en una part del món i el grup GATPAC tot i que aquesta seria una resposta raonable, l’arquitectura Moderna pertany a una etapa del segle XX i per tant, no donaria resposta a la resta de la història. Una anàlisi en més profunditat sobre les similituds entre l’arquitectura Australiana i la Catalana revela una anterior atracció compartida per la cultura i les arts Japoneses - a Europa, un fenomen anomenat Japonisme - que pertany al període del segle XIX.
Aquest article, JASPAU Architecture, de les sigles Japan-Spain-Australia, utilitzarà aquest tercer actor com a pedra filosofal per tal d’entendre i desentranyar les relacions entre ambdós arquitectures des de l’Art Nouveau, fins l’arquitectura Contemporània en una història que no té cap actor principal reconegut, però sí molts gestos arquitectònics subtils.
Context Històric - Japó des de dins
El Període Edo ve ser una època de pau administrada per un govern militar conservador. Gràcies a l’expansió comercial de Japó, una nova classe social de nous rics formada per comerciants i artesans, coneguts com “chonin”, es van trobar amb la paradoxa de ser econòmicament poderosos, però socialment confinats. Per aquests motius es van focalitzar en el consum i persecució del plaer en aquests districtes aïllats.
Aquesta cultura hedonista va transformar el significat del terme budista “ukiyo” d’una vida transitòria de la natura, en una vida que sura, una “joie de vivre”. Aquest tipus de vida es va plasmar a través de la producció artesanal de blocs de fusta amb imatges que mostraven parts d’aquesta vida seductora. Aquestes taules van ser un punt d’inflexió en l’art japonès fins centrat en la reproducció de la naturalesa. Aquestes taules conegudes com ukiyo-e, on el nou art es centrava en actors famosos amb cortesans i cortesanes es van fer molt populars en l’època especialment amb la introducció de nova tecnologia pel color el 1765. L’últim quart del segle XVIII va ser l’era daurada de la impremta fins que la popularitat d’aquestes reproduccions va començar a disminuir.
Durant el principi del sXIX, Utagawa Hirosgige (1797–1858) i Katsushika Hokusai (1760–1849) van portar l’art del ukiyo-e de tornada cap a la representació del paisatge natural, sovint amb temes relacionats amb les quatre estacions, considerades peces mestres internacionals.
Després de que els ports japonesos reobrissin el comerç amb occident el 1853, una onada d’importacions va inundar els ports europeus. A la cresta d’aquesta onada l’escola dels ukiyo-e va transformar l’art de l’Impressionisme i el Post-Impressionisme demostrant que les coses simples i transitòries i els objectes del dia a dia d’aquest “mon surant” podrien convertir-se en formes apreciades de decoració.
LUkiyo-e va ser central en la percepció occidental de l’art japonès a finals dels s.XIX. Des de 1870’s, el Japonisme es va convertir en una moda que va tenir influencies tan en els primers Impressionistes com Degas, Manet i Monet, com en Post-Impressionistes com van Gogh i artistes de lArt Nouveau com Toulouse- Lautrec.
L’art japonès va atraure l’atenció a l’exposició Internacional de 1867 a París, i va esdevenir una tendència a França i Anglaterra de 1870s i els 1880’s. En aquesta època, la impremta en peces de fusta era el més comú mitjà en massa i el japonesos consideraven l’Ukiyo-e unes peces d’art d’un valor poc durador.
Influències a Catalunya, Modernisme
Es poden observar influències reproducció i recerca de determinat estil orientalista com és el cas de la casa dels Paraigües de Barcelona. Completament remodelada per l’arquitecte Josep Vilaseca i Casanovas (Barcelona, 1848 – 1910) els anys anteriors a l'Exposició Universal de 1888, entre 1883 i 1885 conté una decoració orientalista que fou dictada pel mateix propietari atenent-se no només a les noves corrents orientalistes, sinó al fet que molts dels objectes i accessoris que es venien a la botiga eren importats del Japó.
Però per altra banda les arts japoneses i el seu focus en la naturalesa van afectar també a part del modernisme català.
Trobem algun exemple en les representacions ornamentals dels vitralls que Buxeres i Codorniu va fer per a la Casa Lleó i Morera, dissenyada per l’arquitecte Lluís Domènech i Montaner (Barcelona, 21 de desembre de 1850– 27 de desembre de 1923). Aquests vitralls que representen un paisatge amb animals, recorda els dissenys japonesos de Kacho-ga. En aquestes representacions, la naturalesa es mostra simplificada i lliure en una composició de creixement infinit, mostrant un nou concepte de la percepció de l’espai.
Aquest tipus de representació es pot trobar en molts cristalls gravats fets a partir dels 1870’s i en endavant. Aquest tipus de naturalesa gravada en vidre es pot trobar en moltes entrades dels edificis antics de l’Eixample de Barcelona. Són mostres de com la composició pot créixer sense límits més enllà de les dimensions de cada peça de vidre. Aquests jardins artificials mostren canyes de bambú, flors, insectes i tot tipus de plantes inspirades en el repertori japonès.
A l’entrada de la Casa Lleó i Morera també podem observar els motius florals del trencadís, així com motius d’estil similar al japonès en les representacions del sostre.
Cal remarcar que les condicions culturals durant aquest període podrien haver potenciat la influència de les arts japoneses en el territori català. En el període de més influència, Catalunya es trobava en un moment de reformulació de l’ideari comú. L’article de Domenech i Montaner “En busca d’una arquitectura nacional” publicat el 1878 a La Renaixença, explica les formes en les quals els arquitectes buscaven noves maneres d’expressar el caràcter català de l’època.
Japonisme a Austràlia
Tokonama, també anomenat simplement toko, es tracta d’un espai de descans sovint localitzat en una mena d’espai d’entrada a les cases tradicionals japoneses. Els objectes que s’exhibeixen en un tokonama són peces d’art, flors i/o peces de cal·ligrafia. Aquest espai és un element essencial per a l’interior de l’arquitectura japonesa ja que organitza el ritual de com es mou la gent a l’interior de l’espai. Per exemple, els convidats no poden situar-se mirant el Tokonama.
Certs historiadors consideren que l’arquitecte Frank Lloyd Wright, fortament influenciat per l’arquitectura japonesa, utilitzava la llar de foc amb un significat semblant al del Tokonama en l’arquitectura japonesa. Cal recordar que, les obres japoneses també van arribar als Estats Units, on per exemple, es van presentar a la Colombian exhibition de 1893 que va tenir lloc a Chicago.
Les obres d’alguns arquitectes australians com en Peter Muller, en Neville Gruzman i l’Ian Mckay (veure Audette House 1953) es mostren fortament influenciades per les idees de Frank lloyd Wright sobre l’expressió dels materials i de la construcció, com de la fluïdesa de l’espai i la flexibilitat.
Per altra banda, l’atracció que generava la cultura japonesa va tenir un dels majors pics quan en Bruno Taut viatja i treballa al Japó el 1933. Entre els llocs que visita, queda fortament commocionat per l’estètica minimalista a l’estudiar la Katsura Imperial Vila. Aquestes idees influenciarien més tard les obres de Le Corbusier i Walter Gropius, dues figures claus de l’Arquitectura Moderna.
La Neutral Bay Sydney Ancher House de 1957 de l’arquitecte Sydney Edward Cambrian Ancher (25 February 1904 – 8 December 1979) és un clar exemple de com aquesta estètica i composició de l’espai de la Katsura Vila va tenir una gran influencia en l’arquitectura Australiana posterior.
Un altre arquitecte Australià fortament influenciat per Japó és en Richard Leplastrier. Havent treballat pel professor Masuda Tomoya al Japó i per en Jørn Utzon (1964 - 66) el seus dissenys busquen potenciar la relació amb el lloc alhora que busca un sentit de realitat del moment present.
La Angophora House és un exemple d’aquesta simplicitat compositiva, continuïtat de l’espai, apertura a l’exterior i simplicitat en l’ús de materials.
Japonisme a Espanya
De la mateixa manera, després del Modernisme Català i molt influenciats per l’arquitectura moderna, a Espanya hi ha hagut arquitectes fortament marcats pel japonisme. Possiblement l’exemple més conegut és el de Miguel Fisac (Ciudad Real 1913 - Madrid 2006). El seu edifici de la Pagoda, malgrat la diferència d’escala i context, recorda en la seva claredat interpretativa de l’arquitectura japonesa, l’obra de l’arquitecte australià Angelo Candalepas en el projecte de la Messy House. Salvant les enormes diferències d’estil entre ambdós arquitectes, les dues obres són una interpretació de l’imaginari de arquitectura japonesa en períodes no tan allunyats en el temps.
No deixa de ser sorprenent veure fins a quin punt hi ha hagut gent en ambdós països, que malgrat la distància, han estat buscant coses similars i reproduint un imaginari japonès, a vegades de manera directa, altres de manera més abstracta, però amb resultats tan diferents i alhora tan semblants. Potser per aquesta complexitat, mereixia la pena escriure sobre el tema.
Podeu consultar la bibliografia de l'article aquí
Victor O.Alcami i Cristina Aranzubia, arquitectes. Corresponsals del COAC a Sidney, Austràlia
El valor de la intervención arquitectónica se muestra en Venecia
La presente edición de la Bienal de Venecia intenta investigar nuevos puntos de vista, tal como ya evidencia la imagen del manifiesto: una representación de la arqueóloga alemana Maria Reiche subida a una escalera pera estudiar las Líneas de Nazca. A nivel del suelo la gravilla se distribuía de forma aleatoria, pero desde la cima de la escalera se configuraba un pájaro, un jaguar, un árbol o una flor.
En este sentido, “Reportando desde el frente”, el tema de la Bienal, propone compartir con un público amplio el trabajo de personas que escudriñan el horizonte a la búsqueda de nuevos campos de acción, enfrentando problemáticas como segregación, desigualdades, periferias, falta de infraestructura sanitaria, desastres naturales, escasez de vivienda, migración, informalidad, crimen, tráfico, basura, polución y participación de comunidades. Presenta, a la vez, ejemplos en los que dimensiones diferentes se hallan sintetizadas, integrando lo pragmático con lo existencial, relevancia y audacia, creatividad y sentido común.
Según el Presidente de la Bienal, Paolo Baratta, esta edición investiga de forma explícita dónde es posible encontrar tendencias que enfilen hacia otras direcciones, sobre todo hacia una renovación y hacia una búsqueda de mensajes alentadores.
La problemática arquitectónica tras la crisis del boom
La Bienal de Venecia 2016 se ha diseñado con una secuencia que se despliega desde el Pabellón Central (Giardini) hasta el Arsenale, incluyendo 88 participantes —50 lo hacen por primera vez y 33 son arquitectos menores de 40 años — de 37 países diferentes.
Este año se reúnen 62 participaciones nacionales entre los pabellones de los Giardini, el Arsenale y el centro histórico de Venecia, con cinco países que se presentan por primera vez: Filipinas, Kazajstán, Nigeria, Seychelles y Yemen.
En este contexto, la extraordinaria capacidad de los comisarios del pabellón español Iñaqui Carnicero y Carlos Quintáns, ha sido galardonada con el León de Oro por la exposición Unfinished (Inacabado), que muestra con extrema delicadeza la problemática arquitectónica surgida en el territorio español tras la crisis del boom inmobiliario. El premio llega después de 16 años del ultimo León de Oro —recibido en el 2000 cuando estaba el arquitecto Alberto Campo Baeza como comisario—, pero en un contexto arquitectónico completamente cambiado y con señales positivos para el futuro.
Destaca que de los 55 proyectos presentados el 40% provienen de estudios catalanes, un dato que demuestra, una vez más, la importante contribución de los colegiados del COAC a este tipo de eventos.
Aftermath_ Catalonia in Venice
Hay que hacer una mención especial al proyecto presentado por el Institut Ramon Llull, un proceso seleccionado por un jurado independiente presidido por la arquitecta Carme Pinós a partir de un concurso público. Se trata de un interesante trabajo hecho por los arquitectos Jaume Prat, Jelena Prokopljević y el director de cine Isaki Lacuesta en el evento collateral Aftermath_ Catalonia in Venice. Architecture beyond architects. El proyecto consiste en revelar, a través de instalaciones audiovisuales, siete intervenciones arquitectónicas públicas seleccionadas como ejemplos virtuosos de una arquitectura que mejora la relación del usuario con el entorno urbano, social y natural.
Los tres comisarios afirman que el mensaje de esta exposición es investigar el valor de la intervención arquitectónica desde la perspectiva de su uso, cuando los arquitectos que la crearon ya no están presentes. Es interesante notar que las diversas intervenciones (todas públicas) que incluyen un aparcamiento, un hospital, un teatro y un espacio natural, muestran a los visitantes cómo el espacio arquitectónico de alguna forma puede dar la posibilidad a que los usuarios disfruten de los espacios públicos siguiendo sus propias actividades diarias.
Es interesante evidenciar cómo se propone a los visitantes que puedan evaluar la calidad de la intervención arquitectónica desde un punto de vista social y humano. Los vídeos realizados a lo largo de varios meses contienen escenas e imágenes de personas que interaccionaron con los siete proyectos. El objetivo es entrar en el alma del edificio desde la perspectiva del usuario, ya que los arquitectos que la proyectaron ya no están presentes.
Este tipo de trabajo nos ayuda a replantearnos qué consideramos arquitectura hoy en día. Son espacios que nos obligan a revisar ciertas perspectivas que conciben la arquitectura como una solución unívoca o una imposición al usuario». La exposición pretende implicar a los visitantes del espacio a un enfoque sensorial donde todo el tiempo pueda ser parte activa del evento.
Todos los proyectos de arquitectura mostrados en la exposición corresponden a un período de transición económica muy complejo y esto sugiere nuevas necesidades hacia una arquitectura muy sensible con los habitantes y con el medio ambiente.
Alberto Collet, arquitecto. Corresponsal del COAC en Venecia, Italia
La transformación de la autopista Bonaventure en bulevard urbano en Montreal
Uno de los proyectos urbanos más importantes y de más envergadura que la ciudad de Montreal ejecuta actualmente es la transformación de la entrada sur en la ciudad, o el que es lo mismo, la transformación de la autopista Bonaventure en un bulevard urbano en su tramo de llegada a la ciudad[1]. Esta arteria es utilizada diariamente por 250.000 trabajadores y visitantes.
La autopista Bonaventure arranca en plena ciudad en forma de viaducto. Su construcción se realizó por fases entre los años 1962 y 1965, con el objetivo de conectar el puente Champlain (1965) con el centro-ciudad y de esta forma facilitar los desplazamientos entre el borde sur del río Sant-Lorenzo y Montreal. Las periferias suburbanas nacidas el 1955 en el borde sur crecían a gran ritmo y era necesario asegurar la movilidad de la zona, sobre todo los movimientos pendulares entre el Trabajo y la residencia.
Además, la llegada inminente de la Exposición Universal de 1967 hacía urgente la construcción de esta infraestructura. Montreal se preparaba para recibir millones de visitantes para el que sería el acontecimiento más importante del s. XX para la ciudad y para la provincia de Quebec. La entrada al recinto de la exposición se hacía precisamente a través del barrio Cité du Havre, península adyacente en la autopista.
Hoy, cincuenta años más tarde, las numerosas infraestructuras de hormigón construidas en la década de los 1960s empiezan a quedar obsoletas. De un lado, estos proyectos de urbanismo racionalista no corresponden a las necesidades de la sociedad actual, por otro lado, el comportamiento técnico de las estructuras y de sus materiales ya no pueden garantizarse.
Al inicio de los años 2000, el territorio industrial y portuario de Havre fue identificado, por el departamento de urbanismo de la ciudad, como un suelo con un gran potencial urbanizable. El 2002, empezó la redacción de un plan director para los muelles de la Cité de Havre (Projet Havre de Montréal, CAD $6,4 bilions). Precisamente, la primera fase de este plan propone la demolición de una parte del viaducto de la autopista Bonaventure para transformarlo en bulevar urbano. El objetivo principal de la intervención es reestructurar el barrio de Griffintown en ambos lados del bulevar (eje este-oeste) y crear un gran espacio público a lugar que actualmente ocupa la autopista. Las obras de infraestructura subterránea empezadas el 2011 ya están terminadas. El año pasado se inició la demolición y la transformación de los trazados viarios, que está previsto completar a finales de este año 2016. Finalmente, para el 2017 se prevé ejecutar las obras de superficie, más de 20.000m2 de espacios verdes. El pasado 6 de junio la oficina de arte público de Montreal anunció la participación del escultor catalán Jaume Plensa en la definición de este espacio con la instalación de una de sus obras[2].